Pensées sur la planète

Paris Photo, fenêtre sur le monde

Le très bref (9-12 novembre) salon Paris Photo, présenté au Grand Palais éphémère devant l’Ecole militaire, est toujours une occasion de voyager loin dans le temps et dans l’espace, des premières photos et chromophotographies aux artistes les plus jeunes, du monde occidental à l’Asie, de la jungle urbaine à la jungle amazonienne, et par un pur hasard quelques belles photos d’Antonio Ottomanelli prises en 2012 illustrent Gaza et ses terrains vagues pleins de gravats avant même les derniers bombardements.

L’accent est mis cette année sur l’environnement, les paysages, les matières utilisées. Très beau diorama sur le site afghan de Bamyan après la destruction des Bouddhas géants dont il ne reste que les grottes, un travail de Pascal Convert qui a demandé plusieurs milliers de photos pour reconstituer toutes ces falaises après numérisation des clichés. Montages de paysages de montagnes, surimpressions d’Eric Bourret pour évoquer la marche en altitude, “Première neige” sur la cordillère de Colombie britannique d’Edward Burtynsky, et bien sûr quelques photos classiques de Sebastiao Salgado sur les tribus amazoniennes et sur les mines à ciel ouvert.

 

 

Quelques surprises, les photos prises en 1983 par Wim Wenders qui est aussi photographe, des paysages de Joel Meyerowitz inspirés comme d’autres photographes américains par le peintre Edward Hopper, des photos de William Klein avec utilisation de peinture rouge sur les tirages...

 

La couleur est très présente, ainsi ce groupe de jeunes filles roses “Pink”, de Simon “Raion” Lavi, ou ou Red Boy de Steve McCurry (1996). Très originale aussi, la collection de Polaroids “My TV Girls” de Tom Wilkins, découverte dans des caisses après son décès, avec des poupées Barbie et des trains électriques.

 

 

Mon œil a été attiré, parmi des centaines d’autres photos méritant qu’on s’y attarde, par cette Vénus “Baby Back” de Renée Cox (2021) et cette locomotive de”Taj and train” de Steve McCurry, prise en 1983 dans l’Uttar Pradesh.

 

Les femmes occupent désormais une place importante dans cette exposition, un parcours “Elles x Paris Photo” permet de mieux les identifier, mention spéciale à la série de l’Iranienne Hoda Afshar en hommage au mouvement “Femme, Vie, Liberté”, avec des femmes en noir portant leurs cheveux défaits sur les épaules ou en nattes en signe de liberté. Et un coup de cœur pour la jeune photographe italienne Federica Belli, qui trouve que Paris est la ville où on est le plus libre de créer, et le prouve. 

 

Une mention spéciale enfin pour le prix “Pink Ribbon” d’Estée Lauder, organisé à nouveau par la photographe Sandra Bauchard dans le cadre de l’opération annuelle Pink Ribbon pour sensibiliser sur le cancer du sein, avec de très émouvantes photos de femmes acceptant de montrer leurs cicatrices pour participer à cette campagne de sensibilisation. Des photos fortes, où l’attention est moins attirée par les poitrines mutilées par la chirurgie que par l’intensité du regard des femmes qui se battent contre le cancer. le groupe de cosmétiques Estée Lauder est investi depuis 30 ans dans ces campagnes de sensibilisation.

 

Le très bref (9-12 novembre) salon Paris Photo, présenté au Grand Palais éphémère devant l’Ecole militaire, est toujours une occasion de voyager loin dans le temps et dans l’espace, des premières photos et chromophotographies aux artistes les plus jeunes, du monde occidental à l’Asie, de la jungle urbaine à la jungle amazonienne, et par un pur hasard quelques belles photos d’Antonio Ottomanelli prises en 2012 illustrent Gaza et ses terrains vagues pleins de gravats avant même les derniers bombardements.

L’accent est mis cette année sur l’environnement, les paysages, les matières utilisées. Très beau diorama sur le site afghan de Bamyan après la destruction des Bouddhas géants dont il ne reste que les grottes, un travail de Pascal Convert qui a demandé plusieurs milliers de photos pour reconstituer toutes ces falaises après numérisation des clichés. Montages de paysages de montagnes, surimpressions d’Eric Bourret pour évoquer la marche en altitude, “Première neige” sur la cordillère de Colombie britannique d’Edward Burtynsky, et bien sûr quelques photos classiques de Sebastiao Salgado sur les tribus amazoniennes et sur les mines à ciel ouvert.

 

 

Quelques surprises, les photos prises en 1983 par Wim Wenders qui est aussi photographe, des paysages de Joel Meyerowitz inspirés comme d’autres photographes américains par le peintre Edward Hopper, des photos de William Klein avec utilisation de peinture rouge sur les tirages...

 

La couleur est très présente, ainsi ce groupe de jeunes filles roses “Pink”, de Simon “Raion” Lavi, ou ou Red Boy de Steve McCurry (1996). Très originale aussi, la collection de Polaroids “My TV Girls” de Tom Wilkins, découverte dans des caisses après son décès, avec des poupées Barbie et des trains électriques.

 

 

Mon œil a été attiré, parmi des centaines d’autres photos méritant qu’on s’y attarde, par cette Vénus “Baby Back” de Renée Cox (2021) et cette locomotive de”Taj and train” de Steve McCurry, prise en 1983 dans l’Uttar Pradesh.

 

Les femmes occupent désormais une place importante dans cette exposition, un parcours “Elles x Paris Photo” permet de mieux les identifier, mention spéciale à la série de l’Iranienne Hoda Afshar en hommage au mouvement “Femme, Vie, Liberté”, avec des femmes en noir portant leurs cheveux défaits sur les épaules ou en nattes en signe de liberté. Et un coup de cœur pour la jeune photographe italienne Federica Belli, qui trouve que Paris est la ville où on est le plus libre de créer, et le prouve. 

 

Une mention spéciale enfin pour le prix “Pink Ribbon” d’Estée Lauder, organisé à nouveau par la photographe Sandra Bauchard dans le cadre de l’opération annuelle Pink Ribbon pour sensibiliser sur le cancer du sein, avec de très émouvantes photos de femmes acceptant de montrer leurs cicatrices pour participer à cette campagne de sensibilisation. Des photos fortes, où l’attention est moins attirée par les poitrines mutilées par la chirurgie que par l’intensité du regard des femmes qui se battent contre le cancer. le groupe de cosmétiques Estée Lauder est investi depuis 30 ans dans ces campagnes de sensibilisation.

 

Le très bref (9-12 novembre) salon Paris Photo, présenté au Grand Palais éphémère devant l’Ecole militaire, est toujours une occasion de voyager loin dans le temps et dans l’espace, des premières photos et chromophotographies aux artistes les plus jeunes, du monde occidental à l’Asie, de la jungle urbaine à la jungle amazonienne, et par un pur hasard quelques belles photos d’Antonio Ottomanelli prises en 2012 illustrent Gaza et ses terrains vagues pleins de gravats avant même les derniers bombardements.

L’accent est mis cette année sur l’environnement, les paysages, les matières utilisées. Très beau diorama sur le site afghan de Bamyan après la destruction des Bouddhas géants dont il ne reste que les grottes, un travail de Pascal Convert qui a demandé plusieurs milliers de photos pour reconstituer toutes ces falaises après numérisation des clichés. Montages de paysages de montagnes, surimpressions d’Eric Bourret pour évoquer la marche en altitude, “Première neige” sur la cordillère de Colombie britannique d’Edward Burtynsky, et bien sûr quelques photos classiques de Sebastiao Salgado sur les tribus amazoniennes et sur les mines à ciel ouvert.

 

 

Quelques surprises, les photos prises en 1983 par Wim Wenders qui est aussi photographe, des paysages de Joel Meyerowitz inspirés comme d’autres photographes américains par le peintre Edward Hopper, des photos de William Klein avec utilisation de peinture rouge sur les tirages...

 

La couleur est très présente, ainsi ce groupe de jeunes filles roses “Pink”, de Simon “Raion” Lavi, ou ou Red Boy de Steve McCurry (1996). Très originale aussi, la collection de Polaroids “My TV Girls” de Tom Wilkins, découverte dans des caisses après son décès, avec des poupées Barbie et des trains électriques.

 

 

Mon œil a été attiré, parmi des centaines d’autres photos méritant qu’on s’y attarde, par cette Vénus “Baby Back” de Renée Cox (2021) et cette locomotive de”Taj and train” de Steve McCurry, prise en 1983 dans l’Uttar Pradesh.

 

Les femmes occupent désormais une place importante dans cette exposition, un parcours “Elles x Paris Photo” permet de mieux les identifier, mention spéciale à la série de l’Iranienne Hoda Afshar en hommage au mouvement “Femme, Vie, Liberté”, avec des femmes en noir portant leurs cheveux défaits sur les épaules ou en nattes en signe de liberté. Et un coup de cœur pour la jeune photographe italienne Federica Belli, qui trouve que Paris est la ville où on est le plus libre de créer, et le prouve. 

 

Une mention spéciale enfin pour le prix “Pink Ribbon” d’Estée Lauder, organisé à nouveau par la photographe Sandra Bauchard dans le cadre de l’opération annuelle Pink Ribbon pour sensibiliser sur le cancer du sein, avec de très émouvantes photos de femmes acceptant de montrer leurs cicatrices pour participer à cette campagne de sensibilisation. Des photos fortes, où l’attention est moins attirée par les poitrines mutilées par la chirurgie que par l’intensité du regard des femmes qui se battent contre le cancer. le groupe de cosmétiques Estée Lauder est investi depuis 30 ans dans ces campagnes de sensibilisation.

 

Black and Indians

Le titre de cette magnifique exposition au Musée des Arts premiers, Quai Branly à Paris, interroge: pourquoi “Black Indians” ? Ce n’est pas une simple fantaisie des bandes de carnaval de la Nouvelle Orléans, qui par ailleurs n’en manquent pas, c’est en réalité, à travers ces costumes qui portent le double héritage africain et indien, un hommage des "Afro-Americans" d’aujourd’hui aux tribus amérindiennes de la Louisiane qui avaient recueilli ceux des esclaves noirs qui arrivaient à s’évader.

La mise en scène des costumes contemporains, armures de perles et de plumes qui pèsent jusqu’à 40 kilos et que portent les chefs de ces bandes musicales et leurs adjoints pendant des journées entières s’accompagne d’une intéressante mise en perspective historique, très pédagogique, qui raconte cette histoire d’une musique originale née des drames de l’esclavage.

Il faut prendre son temps dans les premières salles avec leurs cartels très documentés, pour comprendre toute l’histoire. L’arrivée dès le 16e siècle des colons et des planteurs de café, de cacao et de canne à sucre, le besoin de main d’œuvre avec l’insuffisance numérique des amérindiens décimés par les épidémies importées d’Europe, le début de la traite des noirs et la montée en puissance du commerce triangulaire Europe-Afrique-Amérique, la colonisation des terres d’Amérique par les puissances européennes, et finalement l’histoire spécifique de la colonie française de Louisiane, avec la fondation de la Nouvelle Orléans en 1718.

Une histoire spécifique car en application du “Code noir” instauré par Colbert dans les colonies, qui légitimait et encadrait l’esclavage des noirs, les esclaves de ces colonies étaient baptisés et en tant que chrétiens ne pouvaient pas travailler le dimanche et bénéficiaient du congé dominical. 

 

Pendant cette journée, ils avaient pris l’habitude à la Nouvelle Orléans de se réunir sur un terrain au nord de la ville, appelé “place des Nègres” et qui deviendra ensuite la “place Congo”. Un endroit où se retrouvaient les Africains des différents groupes ethnico-linguistiques mais aussi les esclaves amérindiens. Et c’est là qu’ils retrouvaient leurs rythmes pour chanter et danser la "bamboula", rappeler leurs croyances africaines, célébrer le vaudou, et c'est là qu’ils pouvaient librement parler entre eux – et plus exactement bavarder, en vieux français “jaser”, qui serait l’origine du mot jazz.

Musique et violence, musique comme révolte contre l’injustice et pour la survie culturelle. Après l’esclavage, la ségrégation, le racisme, le Ku Klux Klan, l’exclusion urbaine, la suite est aussi racontée dans l’exposition : création de bandes costumées suivies de fanfares, organisation de défilés pour les enterrements ou pour carnaval, rivalité entre ces bandes qui vont progressivement canaliser sans la supprimer la violence des bandes urbaines, inventivité croissante, grâce à cette rivalité, pour la préparation pendant une année entière des costumes de l’année suivante.

Ce sont les hommes qui cousent, ceux qui vont porter eux-mêmes les costumes, et c’est toute une tradition qui se construit à la fois sur la technique et les thèmes de ces costumes, l’esclavage, la vie, la mort, le succès, les dieux africains. Certains des costumes exposés montrent des scènes historiques racontées en broderies de perles : arrivée d’esclaves enchaînés sur la bateaux des négriers, vente des esclaves. D’autres sont des hommages à des personnages, comme cette robe inspirée des costumes de scène de Joséphine Baker avec ceinture de bananes.

Pour comprendre et apprécier cette histoire aujourd’hui, il faut absolument regarder la série américaine “Treme” qui raconte l’histoire des bandes musicales après l’ouragan Katrina qui a dévasté la Nouvelle Orléans en août 2005. Tout y est, le lent travail de confection des costumes, la hiérarchie des groupes et le rôle du leader, le Big Chief, la rivalité entre ces groupes et surtout la musique, omniprésente d’un bout à l'autre de cette série : jazz, blues, musique cajun et musique cubaine, tout l’univers sonore de la Louisiane dont il faudrait même découvrir la richesse avant de visiter l’exposition.

Sans trop attendre quand même, car l’exposition Black Indians, ouverte en octobre dernier, ne dure que jusqu’au 15 janvier prochain. Mais c’est une excellente opportunité de visite pour les vacances, surtout pour les plus jeunes qui apprécieront l’explosion des couleurs et le débordement d’imagination de tous ces costumes.

Ne pas oublier la Syrie

Belle exposition consacrée à “l’art et l’artisanat de la Syrie”, jusqu’au 12 décembre, dans la série “La route des contes” de l’Hôtel de Ville de La Celle Saint-Cloud, assortie de spectacles, projections et conférences. Une nouvelle occasion de découvrir le patrimoine artisanal et culturel de ce pays au cœur du Moyen-Orient qui, sur 22 millions d’habitants en 2011, comptait dix ans plus tard 600.000 morts, 7 millions de déplacés à l’intérieur du pays et 5,6 millions d’exilés.   

En toile de fond des objets exposés, les photos de Nicolas Camoisson sur les norias de Hama, première ville martyre du régime en 1982, avec une maquette de noria construite par lui-même, celles de Gérard Degeorge sur les artisans savonniers d’Alep, celles de Yann Arthus Bertrand et Marc Lavaud sur les monuments et les paysages de ce pays carrefour de civilisations, dont les monuments de Palmyre avant leur destruction par l’Etat islamique. Devant ces photos sont présentés des objets en cuivre, bassins, aiguières, des instruments, et les fameux savons aujourd’hui fabriqués à la frontière turque après la destruction des savonneries d’Alep…

Objets d’art comme objets usuels évoquent la richesse des fabrications : coupes pour l’eau et le savon, réservoirs du porteur de boisson, objets en verre soufflé, carreaux en céramique. Mais, surtout, la richesse en textile avec un savoir-faire dont on espère qu’il pourra être sauvé : brocart, soieries imprimées, robes brodées en rouge sur coton noir, typiques du Hauran, vêtements d’hommes aux manches longues, c’est une très belle collection rassemblée ici et bien mise en valeur.

La Syrie possède un artisanat ancestral d’exception avec une cuisine opulente, enrobée de parfums délicats, de pistache, de rose et d’olives. On retrouve ici l’odeur des épices des souks d’Alep et de Damas, café, poivre et cardamome. Et comme dans les caravansérails où se croisaient marchands et voyageurs, on évoque aussi les histoires fantastiques, les aventures d’Antar et de la belle Abla, les épopées des Bany Hilâl ou Les Mille et Une Nuits et bien d’autres contes de la tradition populaire.

Cette manifestation est organisée par la direction des affaires culturelles de La Celle Saint-Cloud en collaboration avec la Maison des Cultures du Monde, avec le conseil artistique d’Arwad Esber, ancienne directrice de la maison des Cultures du Monde, et ses nombreux partenaires locaux, l’expertise d’Annick Leclerc, professeure honoraire à l’École du Louvre, le Carré des Arts, la Bibliothèque pour Tous, la MJC Maison pour Tous, Les Passagers de l’Art et la Communauté d’agglomération de Versailles Grand Parc. Sont également associées des ONG dont l’Union des organisations de secours et soins médicaux (www.uosm.fr), créée en 2012 par des médecins et soignants d’origine syrienne pour coordonner les initiatives de secours aux victimes du conflit en Syrie.

Le programme complet des activités encore à venir est disponible sur www.culture-lacellesauntcloud.fr. Et parmi les conférences, à signaler celle d’Annie Leclerc, vendredi 19 novembre à 20h30 sur “Palmyre, coté de la Reine Zénobie”, et celle de Michel Duclos, ancien ambassadeur de France à Damas de 2006 à 2009, samedi 20 à 16h30, sur “Une expérience syrienne, trois ans à la tête de l’ambassade de France à Damas". Michel Duclos a notamment publié “La longue nuit syrienne – Dix années de diplomatie impuissante”.

Napoléon à La Villette

Comme toutes les expositions à La Villette, celle consacrée à Napoléon – jusqu’au 19 décembre – est destinée au grand public et non aux spécialistes, qui trouveront toujours quelque chose à critiquer : ici c’est un cheminement de la vie entière de Napoléon Bonaparte, avec forcément des manques ou des raccourcis mais toujours le souci de la compréhension de tous y compris des plus jeunes : priorité à la scénographie, cartes très pédagogiques, vidéos tout le long du parcours et, bien entendu, un audioguide très complet pour accompagner le visiteur qui le souhaite.

Dès l’accueil, une série de bustes d’Eugène Guillaume présente Napoléon à tous les âges (ici : 11 ans, 18 ans, 32 ans, 51 ans), de l’enfance à la vieillesse prématurée dans son exil de Sainte-Hélène, l’évolution physique d’un homme petit qui deviendra un grand homme. 

 

Juste après l’entrée, le visiteur voit en perspective le jeune élève de l’Ecole de Brienne, par Louis Rochet, le Premier consul franchissant le Grand Saint-Bernard le 20 mai 1800, tableau de Jacques-Louis David, et Napoléon Empereur, au faite de sa gloire : un résumé de sa trajectoire météorique dans la phase ascendante.

Juste après sa première campagne victorieuse en Italie, c'est la campagne d’Egypte où le jeune général Bonaparte s’embarque avec une armée d’artistes, de géographes, de peintres, pour une conquête scientifique autant que militaire. La réussite en est illustrée par “La bataille des Pyramides”, bataille du 21 juillet 1798, grand tableau par Louis-François Lejeune.

A côté d’un portrait du général Antoine Desaix, qui s’illustre dans cette campagne d’Egypte avant de mourir à 32 ans à la bataille de Marengo en Italie, une vitrine évoque les chameliers de Bonaparte, ancêtres des compagnies méharistes.

L’influence de cette campagne d’Egypte sera considérable dans la France de cette époque, avec une véritable “égyptomania” dans le style, l’architecture, les meubles et les décors, y compris dans les armes inspirées de celles des Mameluks comme ce sabre courbe, à côté d’un service de porcelaine de Sèvres illustré avec les monuments antiques égyptiens, comme le temple d’Horus à Edfou.

Le sacre de l’Empereur en 1804 est l’aboutissement du “style Empire” voulu par Napoléon lui-même qui met en scène les cérémonies et commande aux meilleurs peintres et dessinateurs les costumes d’apparat et les uniformes de ses armées (voir aussi l’exposition “Dessiner pour Napoléon: trésors de la secrétairerie d’Etat impériale” aux Archives nationales). S’il commande à David le grand tableau sur le sacre (où il fait rajouter sa mère, absente de la cérémonie comme son frère Lucien), c’est à François Gérard qu’il commande son portrait en Empereur et celui de Joséphine en Impératrice.

 

L’exposition présente une très riche sélection de meubles et d’objets représentatifs du faste de la cour impériale et du rayonnement de la France, avec notamment un salon du château de la Malmaison ouvrant sur une porte-fenêtre derrière laquelle évolue un paysage animé des parcs et annexes du château.

Plus intime, mais tout aussi politique, l’évocation de la descendance de Napoléon, condition de la succession et de la pérennité de son pouvoir, raison pour laquelle il abandonna Joséphine qui ne pouvait pas lui donner d’enfant. Grâce encore au peintre Gérard, on voit à peu de distance l’une de l’autre la comtesse polonaise Marie Walewska, qui la première lui donnera un fils, Alexandre, né le 4 mai 1810, puis Marie-Louise, mère du roi de Rome Napoléon François Charles Joseph, né le 20 mars 1811. Le second mourra de maladie à 21 ans, le premier aura un beau destin puisque, adopté par un prince Colonna dont il portera le nom, il deviendra ministre de Napoléon III.

 

Une place importante est accordée à Napoléon chef de guerre, entre les tableaux représentant les grandes batailles, les uniformes de plusieurs de ses maréchaux (reconstitués ici avec des pièces appartenant à des collections différentes) et des objets emblématiques, comme un lit pliant de campagne de l’Empereur et une carte d’état-major avec des épingles figurant les unités qu’il déplaçait sur le terrain.

 

Une très belle scène d’après-bataille est la reddition de la ville d’Ulm, le 20 octobre 1805, avec au centre Napoléon recevant la capitulation du général Mack, et sur le côté les bataillons prussiens défilant en bon ordre et s’inclinant pour déposer, rangée après rangée, les armes en tas sur le sol, une peinture de Charles Thévenin.

Hommage discret mais remarquable de La Villette à un redoutable adversaire de Napoléon, l’amiral anglais Horatio Nelson, vainqueur d’Aboukir et de Trafalgar. A droite c’est un mannequin à cheval, en taille réelle, d’un hussard pendant la campagne de Russie et, derrière lui sur un grand écran, la scène impressionnante du film “Le colonel Chabert” avec la charge des cuirassiers à cheval sur un champ de bataille enneigé.

Défait par la coalition des monarchies européennes menées par les Britanniques, Napoléon se résout à abdiquer en obtenant de l’Empereur de Russie d’être exilé comme souverain de l’île d’Elbe avec le titre d’Empereur. Les adieux de Fontainebleau, le 20 avril 1814, sont illustrés ici par Antoine-Alphonse Monfort, d’après Horace Vernet, une scène devenue mythique et reproduite d’innombrables fois sur toile, en gravure, sur porcelaine et sur les supports les plus divers. Discrétion totale, en revanche, de cette belle exposition, sur l’épisode de l’Elbe où Napoléon a quand même séjourné neuf mois en refaisant les routes, les cultures, le cadastre, plusieurs monuments, la production minière et la culture de la vigne, notamment. Et c'est là qu'il fera la connaissance de son fils Alexandre, que Marie Walewska vient lui présenter au cours d'une brève et très discrète visite au sanctuaire de Madonna del Monte.

 

 

L’exposition présente en revanche un tableau symbolique de l’évasion de Napoléon quittant l’Elbe sur une petite flottille en déjouant la surveillance des Britanniques. On voit le brick le Zéphyr à gauche qui croise le brick L’Inconstant, peinture d’Ambroise-Louis Garneray. Le lendemain de son départ de Portoferraio, le 27 à 18 heures, au large du cap Corse, ayant évité plus tôt des bateaux anglais, le capitaine Taillade, second du commandant de L’Inconstant, reconnaît le commandant du Zéphyr, Andrieux, qui arbore le pavillon du gouvernement royaliste. “Nous allons à Livourne, et vous ?”, demande Andrieux. “Et nous, nous allons à Gênes” répond Taillade. “Comment va l’Empereur ?”, demande Andrieux. Napoléon, jusqu’alors caché derrière le pavois, prend le porte-voix et répond “à merveille !”. Le peintre le représente debout à l’arrière du navire, mais Andrieux ne l’a pas vu ou a fait semblant et continue sa route, tandis que l’Inconstant vire plein ouest vers Golfe Juan …

 

la suite est connue, c'est la remontée surprise par la route de Grenoble qui lui est acquise contrairement à la Provence hostile, le retour triomphal à Paris, le rétablissement de l’Empire et la reprise des hostilités contre les coalisés. L’aventure dure cent jours et se termine à la bataille de Waterloo, le 18 juin 1815. Un tableau de Clément Auguste Andrieux aide à comprendre la violence et la confusion des combats dans cette dernière bataille perdue.

C’est la fuite à la Malmaison, le projet d’embarquement pour l’Amérique, la Rochelle bloquée par la flotte anglaise, Napoléon qui demande à embarquer sur une de leurs frégates qui, après escale en Angleterre pour demander les ordres, part vers l’Atlantique et met le cap sur Sainte-Hélène. Nouvel exil sans illusion, Napoléon dicte ses mémoires au général Gourgaud : lithographie de Zéphirin Belliard d’après le tableau de Charles Steuben. Dernier objet, le masque mortuaire réalisé par son médecin le docteur François Antonmarchi, qui en fera ensuite des copies, dont celui-ci conservé à la Malmaison, un autre à Londres et un troisième au musée Napoléon de La Havane où s’installe Antonmarchi – avant de lancer une série de moulages en plâtre offerts en souscription commerciale. Très belle image finale de l’exposition, Napoléon malade sur son fauteuil à Sainte-Hélène, sur fond de mer embrumée, une sculpture en marbre de Vincenzo Vela dont le reflet est répété à l’infini part un jeu de miroirs…

 

Les Italiens en France

Ti amo Francia – Je t’aime la France, c ’est le cri d’amour lancé par un journaliste italien qui a passé plus de 35 ans en France et qu’il a mis en titre d’un livre publié en français et aussitôt traduit par lui-même et son épouse en italien. « Ti amo Francia – De Léonard de Vinci à Pierre Cardin, ces Italiens qui ont fait la France » n’est pas seulement un éloge de la fraternité franco-italienne, il est aussi une étonnante somme de connaissances et de révélations sur des Français connus dont on avait oublié qu’ils étaient restés Italiens.

Installé à Paris depuis 1986 comme correspondant de presse, auteur de plusieurs ouvrages dont en 2018 "Un vélo contre la barbarie nazie - L'incroyable destin du champion Gino Bartali", Alberto Toscano a publié ce livre en français à Paris en 2019 et en italien à Milan en 2020. Sa démonstration : la France ne serait pas la même sans ses immigrés et l’Italie ne serait pas la même sans l’histoire de ses fils qui ont dû s’en aller. Et sur les dizaines de millions d’Italiens partis en Europe et vers les Amériques, ceux qui sont partis en France, insiste-t-il, on laissé une empreinte profonde.

Partant de cinq siècles de culture commune gallo-romaine, l’auteur déroule le fil des influences croisées au fil des siècles. C’est ainsi que le Livre des Merveilles, le récit des voyages de Marco Polo, a été dicté en français à son compagnon Rusticello da Pisa. A travers les siècles, le fil des influences italiennes est fait à la fois de personnalités marquantes autant que de millions d’Italiens anonymes venus travailler en France.

Sans pouvoir citer toutes ces personnalités qui sont innombrables, la plus connue des Français est bien entendu Léonard de Vinci, qui à l’invitation de François Ier arrive à Amboise à l’automne 1516 avec plusieurs de ses œuvres dont la Joconde. Au cours des XVIe, XVII et XVIIIe siècle, on se dispute en Europe et d’abord en France les intellectuels, scientifiques et artistes italiens, un peu comme on se dispute aujourd’hui les joueurs de football, raconte-t-il.

C’est l’époque de Catherine de Médicis, épouse d’Henri II de Valois, qui impose le bon goût italien à table, la crème glacée et la fourchette. Le 14 juin 1549, elle donne à l’Hôtel de Ville de Paris un banquet resté fameux. Sa cousine Marie de Médicis, épouse d’Henri IV, va jouer un rôle politique majeur mais plus encore : on lui doit le palais du Luxembourg, « véritable palais florentin transplanté à Paris », et la fontaine de Médicis dans les jardins à droite du palais.

C’est aussi Le Procope, café-glacier ouvert en 1686 par un émigré sicilien, Francesco Procopio Cuto. C’est également le canard à l’orange, la soupe à l’oignon, l’omelette, les macarons, la frangipane, le massepain, les sculptures en sucre de Venise.

L’influence italienne arrive dans le théâtre avec le Napolitain Tiberio Fiorelli, inspirateur et ami de Molière. C’est la Commedia dell’arte. Elle sera forte aussi dans la musique, avec l’arrivée de Giovanni Battista Lulli, né à Florence en 1632, mort à Paris en 1687. Acteur, mime, magicien, c’est Roger de Lorraine, duc de Guise, qui l’emmène à Paris pour enseigner l’italien à sa nièce, la duchesse de Montpensier. Jean-Baptiste Lully, ayant francisé son nom, devient musicien de la duchesse et fait danser sur scène dans le « Ballet royal de la nuit » le jeune roi Louis XIV dans le rôle du « roi du soleil ». Il restera pour toujours le roi soleil. Louis XIV pousse Molière à travailler avec Lully, ce qui donne la comédie-ballet dont la plus connue est Le Bourgeois gentilhomme, tandis que Goldoni et Fiorelli popularisent en France Arlequin, Scaramouche et Polichinelle.

La France attire les plus grands scientifiques car Colbert veut développer les sciences pour l’industrie. Il fait ainsi venir Giandomenico Cassini, héritier de Galilée, qu’il présente au roi. C’est lui, naturalisé Français en 1673 qui va développer l’Observatoire de Paris. Son fils Jacques (1677-1756), puis César François (1714-84) dit Cassini III et son fils Jacques Dominique (Cassini IV) qui complètent les travaux de l’Observatoire. Autre grand scientifique, le Piémontais Joseph Louis Lagrange, astronome et mathématicien, entre à l’Académie des Sciences ; après 1789 il participe à la création du système métrique et sera enterré au Panthéon.

Un autre Piémontais un peu oublié, Giovanni Battista Viotti, compose en 1781 son « Thème et variations en Do majeur pour violon et orchestre » qui deviendra en 1792… la Marseillaise. Lorsqu’il compose à Strasbourg son Chant de guerre de l’Armée du Rhin, Claude-Joseph Rouget de l’Isle se souviendra de cet air sur lequel il écrit des paroles révolutionnaires, mais sans signer la partition.

Après les victorieuses campagnes d’Italie, Napoléon comptera plus de 50.000 soldats italiens dans la Grande armée, commandés par le général Domenico Pino, volontaire, qui s’illustre aux batailles de la Moskova et de Maloïaroslavets en octobre 1812. Parmi les musiciens qu’il attire à lui, Napoléon apprécie Giovanni Paisiello, qui mettra le couronnement en musique, et Gaspare Spontini. Puis sous la Restauration arrive Gioacchino Rossini, en 1824.

Les régimes passent mais les Italiens continuent à développer leurs talents en France. Sous Napoléon III, le banquier Enrico Cernuschi fonde en 1869 la Banque de Paris qui fusionne trois ans plus tard avec la Banque de crédit et de dépôt des Pays Bas, le futur Paribas.

En 1870 Giuseppe Garibaldi, héros de l’unité italienne, est à la tête de l’armée des Vosges pour résister à l’offensive prussienne, puis est élu en 1871 à l’assemblée nationale. Mais jalousé pour ses batailles, il quitte la France. Léon Gambetta, père de la IIIe République, s’illustre en s’échappant de Paris en montgolfière. Sous la IIIe République, l’explorateur Pietro Savorgnan de Brazza, s’illustre en explorant le Congo et fonde Brazzaville, puis meurt à Dakar en 1905. Emile Zola, écrivain français d’origine italienne, joue un rôle majeur dans la réouverture du procès Dreyfus. Avec lui, le lieutenant-colonel Alessandro Panizzardi, attaché militaire italien à Paris et ami de l’attaché militaire allemand Maximilian von Schwartzkoppen, envoie des rapports à Rome pour démentir la culpabilité de Dreyfus, sans être entendu.

Célébré en 2008 comme dernier poilu français encore en vie à 110 ans, Lazzaro Ponticelli s’était engagé en 1914 pour défendre la France et avait été intégré au 4^e régiment de marche de la Légion étrangère, commandé par Peppino Garibaldi, le neveu de Giuseppe. Mais quand l’Italie entre en guerre en 1915 ce régiment est dissous et Ponticelli est comme ses camarades escorté par les gendarmes jusqu’à la frontière pour faire la guerre avec les Italiens, ce qu’il fera dans les Alpini. Cela lui vaudra les plus hautes décorations italiennes qu’il portait toujours avec sa Légion d’Honneur.

On retrouve dans la Résistance française un autre Garibaldi, Sante Garibaldi, petit-fils de Giuseppe, président de la Fédération française des volontaires Garibaldiens de l’Argonne (1914-15). Résistant, arrêté par la Gestapo en 1943, il sera déporté en 1944 à Dachau. Dans les Alpes et sur la Côte d’Azur, les militaires italiens s’opposent aux mesures anti-juives de Vichy et interdisent qu’ils soient livrés aux Allemands.

Le général Maurizio Castiglioni, commandant la 4^e Division des Alpini, écrit au préfet de l’Isère, sous les ordres de Vichy, pour lui interdire d’arrêter les juifs et de les livrer aux Allemands. Après le 8 sept 1943, date de la chute du fascisme, les Allemands arrêtent et fusillent nombre de militaires italiens , d’autres s’échapperont par les Alpes, d’autres encore rejoindront les rangs de la Résistance. Toscano cite les témoignages de Robert Badinter, réfugié avec sa mère et son frère à Chambéry sous la protection des troupes italiennes, et de Serge Klarsfeld sur le rôle des militaires italiens. Dans l’arrière-pays niçois, à Saint Martin Vésubie, un monument rappelle qu’un millier de juifs y ont été préservés et aidés à s’enfuir vers la frontière pour échapper aux Allemands.

« L’histoire de l’occupation italienne, insiste Toscano, a été une belle page de l’histoire des relations franco-italiennes alors qu’elle aurait pu être une page tragique et on le doit non pas au régime fasciste mais aux militaires italiens dont certains, après l’occupation allemande qui a suivi la chute du fascisme, ont rejoint la Résistance française »,

Dans les époques plus récentes, les Italiens qui ont contribué au patrimoine français sont légion. Claudia Cardinale, Iolanda Gigliotti (Dalida), Marcel Azzola (le « chauffe Marcel » de Brel), Ivo Livi (Yves Montand), Serge Reggiani, Lino Ventura qui a toujours gardé son passeport italien et n’a jamais demandé la nationalité française, Michel Colucci sont les plus connus. Il cite aussi parmi d’autres Renzo Piano, Gae Aulenti, Pierre Cardin qui était toujours fier d’être Vénitien, Jeannie Longo, Michel Platini...

Pourtant pour lui « les vrais Italiens qui ont ‘fait la France’ sont ces millions d’hommes et de femmes qui ont toujours pensé d’abord au travail ». Et sa conclusion, ainsi que le fait qu’il ait traduit et publié son livre en italien, est également adressée à ses compatriotes, qui ont découvert plus tard que d’autres les problèmes de l’immigration. Pour leur rappeler que les Italiens eux aussi ont souffert d’émigrer et d’être souvent mal accueillis dans leur pays d’accueil.

« Ti amo Francia – De Léonard de Vinci à Pierre Cardin, ces Italiens qui ont fait la France », Alberto Toscano, 288 pages. Armand Colin.

Entretien d'Alberto Toscano avec Paolo Levi de l'agence Ansa à propos de son livre : https://youtu.be/bOQhx_PWtzA

Apprendre l'arabe, un enrichissement

Ravages de l’ignorance, le tollé de commentaires indignés qui a suivi l’annonce d’une extension de l’apprentissage de la langue arabe dans l’enseignement en France m’incite à jeter un grain de sel dans ce débat absurde pour partager mon témoignage d’amoureux de la langue arabe.

Et d’abord dissiper un cliché : on peut apprendre l’arabe sans aller à la mosquée, comme on peut apprendre le latin sans aller à la messe, où du reste le latin encore pratiqué par les intégristes n’est pas le plus classique. Et s’il m’est arrivé de lire des sourates du Coran pour admirer la beauté du récitatif, mon apprentissage a été intégralement laïc et… grammatical.

Mais commençons par le commencement : sans origines familiales arabes, sans avoir vécu dans ces pays, rien ne me prédisposait à me lancer dans cette aventure. Ou plutôt des voies détournées passant par le grand Nord, à l’occasion d’un séjour dans les Forces françaises en Allemagne. Le régiment que j’avais choisi pour mon service était le 1^er Spahis, héritier de l’armée d’Afrique et des troupes arabes d’Afrique du nord, j’ai découvert qu’il y avait encore à l’époque deux Algériens et un Marocain et que les traditions y étaient restées fortes. D’où ma curiosité pour ce monde nouveau pour moi.

Revenu à Paris et démarrant à l’Agence France Presse au service Afrique-Asie, je m’inscrivis alors à Langues-O, qu’on appelle aujourd’hui l’INALCO pour Institut des langues et civilisations orientales. Mon choix s’est porté sur un apprentissage de l’arabe utilitaire et, parallèlement aux cours d’arabe classique pour les bases, j’avais opté pour deux dialectes moyen-orientaux, le syro-libanais et l’égyptien, dont on m’avait dit qu’ils étaient compris à peu près partout dans le monde arabe, grâce à la diffusion des feuilletons égyptiens et des chansons libanaises.

Les bases du classique m’ont été inculquées par Naïm Boutanos, un enseignant libanais dont la musicalité de la langue me reste encore dans les oreilles et qui nous lisait de la poésie arabe pour nous faire sentir la douceur de cette langue. En trois ans d’études menées parallèlement à mon travail de journaliste à l’AFP, j’ai un peu bâclé cette partie de l’arabe classique et le regrette encore, et je suis plein d’une sincère admiration pour des arabisants come l’ambassadeur François Gouyette qui participait à des concours de déclamation de poésies arabes lorsqu’il était en poste à Tunis.

Même rapide, l’apprentissage du classique m’a cependant ouvert des horizons lorsque j’ai constaté des similitudes avec la logique du grec et du latin dans la construction grammaticale, avec des déclinaisons parfaitement symétriques, complétées pour l’arabe par l’articulation des formes verbales autour de racines trilitères, un système d’une logique parfaite avec une grande richesse dans les nuances de sens.

Quant au dialectal, il m’a ouvert les portes de ce monde complexe que je découvrais à mon tour avec des idées simples. Dès la fin de ma première année, je suis parti en Syrie avec le précieux manuel de mon professeur de syrien, Jean Kassab, de Bloudane, dont chaque leçon était déroulée à la fois en français, en caractères arabes et en phonétique avec la prononciation locale pour permettre un usage concret, un peu comme une méthode Assimil ou Linguaphone. Leçons utilitaires autour de la vie quotidienne, des transports, des formalités, des formules de politesse, parfait pour voyager, faire ses courses ou trouver à se loger. La première phrase du manuel m’est restée gravée dans la tête : « šu fī bǝl barrād ? » - qu’y a-t-il dans le réfrigérateur ? Suivait une énumération des légumes, fruits, laitages, viande et poisson permettant de se faire comprendre, sauf homonymie et c’est ainsi qu’en commandant un œuf dur dans un petit restaurant à Damas je me suis retrouvé avec un plat de… couilles de mouton. Heureusement j’avais retenu aussi « l-būza šamiyye mašhūra bel ɛālam », « la glace de Damas est célèbre dans le monde », ce qui me permit d’aller chercher la fameuse glace à la pistache chez Begdach, au Souq el-Hamidiye.

Pour le dialecte égyptien, Mme Hedeya Charkaoui nous l’enseignait avec le manuel du Père Jommier qui utilisait une phonétique différente de celle de M. Kassab, ce qui ne nous simplifiait pas la tâche. Les dialogues étaient vivants mais un peu moins utilitaires, avec les premiers dialogues : « où est Ramadan ? Ramadan est en haut, Ramadan est en bas, etc. »

Et si l’arabe classique m’a donné un goût, à défaut d’une connaissance plus approfondie, de la littérature, de la science et de la culture arabes et de ce qu’elles ont échangé avec notre civilisation par des aller-retour au fil des siècles, de Byzance à Damas, de Damas à Grenade, de Grenade à Palerme et Florence, l’étude des deux dialectes m’a aussi montré la proximité de nos cultures et leur brassage à travers les générations. Un point qui m’a fasciné, et qui n’est pas seulement anecdotique, c’est comment la culture méditerranéenne a servi de pont à travers notamment la cuisine, l’égyptien étant riche de termes italiens comme l’italien et l’espagnol sont riches d’apports sémantiques et toponymiques arabes. Si on demande au Caire « laɧme batella maɛ bazella wa banadora », on retrouve facilement « carne di vitello con piselli e pomodoro » (de la viande de veau avec des petits pois et des tomates) avec comme dessert évidemment du « jilati »… Et si la culture c’est ce qui reste quand on a tout oublié, je me félicite que la gourmandise m’ait conservé ces réminiscences linguistiques et culinaires !

Faute de temps et de vocation véritablement universitaire, je n’ai pas poursuivi au-delà de ces trois années à Langues-O ma découverte fascinée de l’arabe. Mais j’ai eu l’occasion de le pratiquer ensuite sur le terrain pendant trois autres années dans la région, et j’y ai souvent rencontré de vrais arabisants français, qu’ils soient diplomates comme François Gouyette cité plus haut, Régis Kotchet ou André Janier, mais aussi militaires et je veux citer mon premier directeur AFP au Caire, qui l’a été ensuite à Beyrouth, Georges Herbouze, ancien officier des affaires indigène (OAI) spécialiste du Maghreb comme militaire devenu comme journaliste spécialiste du Machrek. Mais je peux également citer un jeune militaire qui partageait mes cours à Asnières, Bernard Thorette, retrouvé plus tard alors qu’il commandait le 3^e RIMa et qu’il était en 1991 le seul chef de corps de la division Daguet recevant sous sa tente les Bédouins rencontrés dans le désert saoudien pour leur offrir le café en arabe, avant de terminer sa brillante carrière comme chef d’état-major de l’armée de terre.

Mon témoignage est forcément subjectif donc partial, mais je veux l’adresser à ceux qui n’ont de l’arabe qu’une vision partielle et souvent caricaturale. Ceux qui ne perçoivent le monde arabe qu’à travers un seul pays ou à travers des épisodes douloureux de l’Histoire franco-algérienne et qui en ont forcément une perception incomplète, sur le plan de la langue comme de l’Histoire. Le monde arabe et sa culture sont d’une grande richesse et d’une très grande diversité, il n’est pas possible de rejeter par ignorance qu’il nous a apporté autant que nous lui avons apporté au cours des siècles. Ensuite ceux qui, également par mauvaise connaissance, assimilent l’arabe à la langue du Coran et pensent que pour maîtriser l’arabe il faut passer par la religion. Si le Coran reste une référence essentielle car il a structuré à un moment donné une langue dite classique, cette langue s’est toujours nourrie de poésie, de philosophie et de littérature et son apprentissage ne saurait se limiter à apprendre et réciter des sourates, aussi belles soient-elles pour beaucoup.

Pour ceux qui comme moi ont eu la chance de faire leurs « humanités gréco-latines », l’arabe en est le prolongement et la langue la plus proche à tous les points de vue. Le faire découvrir aux nouvelles générations, si l’on parle bien d’un enseignement laïc et littéraire, est un incontestable enrichissement aussi bien pour ceux qui sont en quête d’identité sur leurs racines que pour ceux qui, sans aucun lien personnel avec le monde arabe, peuvent bénéficier d’une clef de compréhension et d’ouverture sur un monde qui nous est si proche.

Printemps numérique en Amérique latine

Alors que les communautés indigènes de l’Equateur célèbrent le premier anniversaire de leur “soulèvement” (Levantamiento) en octobre 2019, chercheurs universitaires et acteurs sociaux se sont retrouvés pour analyser ensemble l’irruption des médias sociaux et le rôle d’Internet sur l’ensemble des mouvements sociaux en Amérique latine, comme s’il existait un printemps latino-américain à dimension numérique.

Cette analyse transversale a été concrétisée dans un ouvrage collectif publié en anglais et qui le sera bientôt en espagnol, en fédérant une trentaine de chercheurs d’universités de toute l’Amérique latine et des Etats-Unis pour affronter cette thématique nouvelle : l’ouvrage de 358 pages, “Digital Activism, Community Media, and Sustainable Communication in Latin America” a été coordonné par Cheryl Martens, professeure à l’université San Francisco de Quito, Cristina Venegas, professeure à l’université Santa Barbara de Californie, et Franklin Etsa Salvio Sharupi Tapuy, responsable des communautés Shuar et Quijos d’Equateur et porte-parole de la CONFENIAE (Confédération des nationalités indigènes de l’Amazonie équatorienne). Il a été publié aux Editions Palgrave Macmillan et est disponible en version papier comme en format électronique.

L’ouvrage a été présenté par les trois coordonnateurs au cours d’une vidéoconférence depuis Quito associant une majorité des contributeurs depuis les différentes universités latino-américaines. Cristina Venegas (à droite) a souligné en introduction que de nombreux pays dans le monde ont connu ces dernières années des mouvements sociaux de grande ampleur qui ont parfois débouché sur des bouleversements politiques (Tunisie, Egypte, etc.) et dont l’accélérateur a sans conteste été l’irruption des médias sociaux pour mobiliser et faire manifester les opinions publiques.

En Amérique latine, où les contraintes géographiques sont plus fortes que n’importe où ailleurs avec la dispersion des communautés entre forêt vierge et montagnes, le rôle des médias sociaux a été encore plus déterminant. Un colloque organisé en 2017 à Quito sur les “communautés connectées” avait déjà permis de faire ce constat en associant des militants communautaires et des universitaires et en comparant les expériences vécues en Equateur, au Mexique, en Argentine, en Bolivie, au Brésil, au Chili et en Colombie. Or ces deux dernières année ont vu une intensification des “printemps latino-américains”, où les conflits sociaux ont coïncidé avec une remise en cause des modèles économiques, politiques et culturels.

L’intérêt de cette réflexion collective est précisément de dépasser l’événementiel et le niveau local pour identifier les grandes lignes et constater que l’irruption des technologiques numériques et des médias sociaux contribue à une double mobilisation, dans la rue et sur le Net : les communautés latino-américaines, au-delà des frontières régionales et nationales, ne se contentent pas de s’approprier les technologies et médias numériques mais remettent en cause la rationalité technologique occidentale.

L’appropriation des technologies nouvelles permet d’abord de développer des stratégies autonomes de développement durable échappant aux logiques habituelles. Le livre recense des cas concrets évoqués lors de cette présentation, comme la réalisation de pirogues à énergie solaire en Equateur (David Vila-Viñas, Juan-Manuel Crespo, Cheryl Martens - à gauche), la création d’une radio communautaire d’indigènes mexicains à Oxnard en Californie leur permettant la réappropriation de leur culture mixtèque et le renforcement des liens avec leurs racines dans l’Etat de Oaxaca au sud du Mexique (Carlos Jiménez), plusieurs expériences de réseaux téléphoniques ou Internet autonomes en Bolivie (Mario Rodriguez Ibanez) ou au Mexique, etc.

Mais à un second niveau, ce livre donne la parole aux chercheurs latino-américains qui dans leurs travaux universitaires apportent leur approche de ces questions de façon différente des traditions universitaires de l’Europe et du “Grand Nord”. Avec dans leur discours des thèmes communs comme la décolonisation, la promotion des cultures indigènes, l’égalité des sexes, la politique économique…

Et sur les outils médiatiques, les chercheurs convergent pour constater qu’en Amérique Latine les médias sont contrôlés sinon confisqués par les démocraties élitistes, marginalisant de facto les communautés indigènes. Pour Diana Coryat, de l’Université San Francisco de Quito, “comment les mouvements sociaux peuvent-ils avoir de la visibilité dans un champ médiatique déséquilibré où les gouvernements contrôlent la majorité des médias ? Il faut donc leur opposer un contre-pouvoir transmédiatique”.

Doris Pena Pino a évoqué à son tour une nécessaire “décolonisation” de la connaissance ouverte, une interculturalité et une communication par la mobilité.

Les chercheurs aux Etats-unis reconnaissent eux-mêmes que les outils et système numériques sont contrôlés par les grands groupes américains et laissent en outre de côté tous ceux qui n’en sont pas équipés. Lors de la présentation, Angharad Valdivia (à gauche), de l’université de l’Illinois, a souligné tout l’intérêt de ce livre qui met en valeur ce qu’ont produit les chercheurs latino-américains sur le sujet, des travaux jusqu’ici insuffisamment connus.

Pour Etsa Franklin Sharupi (à droite), l’un des trois coordinateurs de cet ouvrage et lui-même animateur du réseau d’information amazonien “Lanceros digitales”, la communication est devenue “un outil de combat et de résistance : les outils virtuels co-existent avec les philosophies indigènes, avec le pouvoir de la nature et de la forêt, permettant aux communicants de partager cette connaissance à travers les médias sociaux, et vers leurs propres communautés”. Il y a pour lui un besoin historique de transmettre les idées, les langues, les ontologies indigènes, pour intégrer pleinement ces communautés dans les sociétés, et pour raconter et écrire eux-mêmes leur Histoire sur des plates-formes virtuelles gérées par des “community managers” indigènes.

Intervenant pour la CONFENIAE, la confédération des nations indigènes de l’amazonie équatorienne, Andrés Tapia (à gauche) a également noté comment les travaux universitaires s’étaient enrichis de l’apport des jeunes, devenus grâce aux médias sociaux des acteurs de la communication dans le travail collectif de valorisation du patrimoine des communautés indigènes, à travers “une communication communautaire, alternative et populaire, un travail de lutte, de résistance et de mobilisation”.

Ces travaux prouvent en tous cas que nombre d’universitaires latino-américains, loin de se contenter d’une approche purement académique, travaillent en contact étroit avec les communautés indigènes dont le bouillonnement des^idées et la fermentation des louvele nts sociaux sont un champ d’étude considérable pour la compréhension des évolutions du monde latino-américain.

Les peuples du fleuve

La forêt amazonienne est tout sauf une forêt vierge. Un demi-siècle de fouilles archéologiques ont pu mettre en relief que les hommes l’ont habitée depuis vingt mille ans et y ont laissé leur empreinte le long des grands fleuves, avec une floraison de civilisations, de langues et de cultures dont on retrouve la trace, malgré la difficulté de conservation de ce milieu perpétuellement humide et raviné par les pluies.

Le MACCO, musée archéologique et centre culturel d’Orellana (la ville de Coca, au confluent du rio Coca et du rio Napo en Equateur), offre une très belle collection de vestiges, statues, outils et poteries, dont beaucoup appartenant à celle qu’on pourrait nommer civilisation du Napo. Qui correspondrait aux Omaguas au Pérou, aux Tupi-Guarani au Brésil, mais l’archéologie amazonienne est trop récente pour affirmer des appartenances avec certitude – et à mon niveau de simple touriste encore moins.

Ce qui est acquis, c’est qu’à travers les siècles les peuples du fleuve ont travaillé les matériaux présents dans la forêt, la pierre et le bois dur pour faire des outils, l’os et les épines végétales pour faire de petits instruments, l’argile et la terre cuite pour les récipients, jarres et vases funéraires une fois le feu domestiqué pour faire de la céramique, mais aussi des bijoux, et que tout cela représente un haut niveau d’élaboration et de création.

Ces vestiges sont presque impossibles à découvrir, avalés par la végétation et la terre des alluvions, et c’est parfois l’eau du fleuve qui découvre une rive et met à nu des restes de villages. Et si les villages d’aujourd’hui sont beaucoup plus reculés, cachés en retrait des rives, les longues cases sont toujours les mêmes avec de grands toits recouverts de feuilles de palmier.

En fait les premières fouilles archéologiques ont été entreprises en 1957 par un couple britanniques, Clifford Evans et Betty Meggers, qui vont pouvoir raconter l’histoire de cette région pendant les quatre siècles ayant précédé la colonisation hispano-portugaise de l'Amazonie.

Ces fouilles seront développées ensuite de façon plus systématique par les missionnaires capucins du vicariat apostolique d’Aguarico (Francisco de Orellana) qui créent en 1975 le CICAME (Centro de investigación cultural de la Amazonía ecuatoriana), dont les découvertes ont largement contribué aux collections réunies dans le musée de Coca. 

Ce qui permet de parler d’une civilisation Napo, c’est non seulement que les traditions très anciennes de fabrication et de décoration de poteries se retrouvent dans l’artisanat des communautés indigènes d’aujourd’hui, mais que le rayonnement de cette civilisation ne connaît pas non plus de limites territoriales : les fouilles faites très en aval du Napo et du fleuve Amazone, jusqu’à son embouchure océanique au Brésil, montrent une grande similitude dans les œuvres retrouvées

Parti en 1542 du confluent de la riivière Coca dans la rivière Napo, affluent de l’Amazone, depuis la ville qui porte aujourd’hui son nom en Equateur, l’espagnol Francisco de Orellana va descendre l’Amazone jusqu’à son embouchure; il va décrire des fleuves bordés de villages très importants bâtis par ces populations qui ont ensuite dû refluer en forêt profonde du fait de la colonisation et de l’esclavage, ainsi que des épidémies apportées par les colonisateurs.

Après les collections anthropologiques de Quito et de Cuenca, le musée de Coca complète la connaissance qu’on peut avoir des cultures amazoniennes, une connaissance encore en plein développement. La visite est en tous cas un préalable indispensable pour ceux qui veulent se rendre auprès des communautés des fleuves de cette région, Waorani ou Kichwa, en permettant de mieux comprendre d’où vient leur héritage, avec ces poteries identiques à celles d’il y a quelques siècles,  et pourquoi elles tiennent tellement à conserver ce bagage de traditions qui ont traversé les siècles et les catastrophes naturelles et humaines. Et pour ceux qui ne veulent pas se contenter des safaris photo pour prendre des aras, des toucans et des dauphins roses…

Jérusalem en Toscane

Sur une toute petite route de montagne entre Florence et Volterra en Toscane, caché dans la verdure, le monastère de San Vivaldo est entouré d’une quinzaine de chapelles représentant la topographie de Jérusalem et les étapes de la Passion de Jésus : c’est la « Jérusalem de San Vivaldo », très originale par sa collection de sculptures polychromes.

Ancien lieu de dévotion à un ermite du XIVe siècle, le bienheureux Vivaldo de San Gimignano, l’église est agrandie et renforcée d’un monastère  en 1426 et confiée en 1497 aux Franciscains. Ceux-ci font édifier, entre 1500 et 1515, une série de chapelles retraçant le chemin de croix, qui seront jusqu’à 34 et dont il reste aujourd’hui la moitié. C’est l’époque où le pape Léon X accorde des indulgences aux pèlerins se rendant à San Vivaldo, cette Jérusalem de Toscane.

Il faut rappeler que saint François, hostile aux croisades de conquête, avait lui-même participé à la Ve croisade en 1219 pour rencontrer le sultan Malik el-Kamil à Damiette et lui expliquer que la religion chrétienne était d’amour et non de guerre. Et parallèlement, saint François s’était battu auprès de trois papes successifs pour obtenir que le pèlerinage à Assise donne autant d’indulgence que le pèlerinage à Jérusalem, dans le but d’enlever cette justification aux croisades en terre sainte.

San Vivaldo n’est pas Assise, aucune basilique ici mais un ensemble discret caché dans les arbres, et qui n’est pas forcément facile à trouver. Mais il y a toujours un Franciscain de service pour accueillir le visiteur ou le pèlerin, le guider en plusieurs langues et l’escorter de chapelle en chapelle grâce au gros trousseau de clefs qu’il porte à la ceinture. L’essentiel est en effet dans les petites chapelles, le couvent et l’église étant intéressants mais n’offrant pas la même originalité artistique.

Car au-delà du parcours spirituel, la visite révèle d’étonnantes sculptures appuyées sur des bas-reliefs, avec des personnages peu communs en terre cuite polychrome et d’un grand réalisme, dus aux ateliers de Giovanni della Robbia et Benedetto Buglioni. Les personnages sont en habits de l’époque Renaissance, avec des soldats romains dont certains en costume ottoman, et avec des bannières islamiques en arrière-plan.

Dans la chapelle représentant la maison d’Anne le grand prêtre, une frise de sculptures s’appuie sur des fresques qui la prolongent et lui donnent de la profondeur de champ. Anne est sur la droite (ci-dessous à droite), et regarde le Christ giflé par des soldats. Les personnages de cette série sont parmi les plus expressifs de cette « Jérusalem », par leur réalisme et par leur mouvement, accentué par le fait d’avoir assis le grand prêtre sur un siège vu de trois quarts.

Dans la maison de Caïphe, deux groupes en terre cuite représentent Jésus devant Caïphe et Jésus outragé, œuvres attribuées à Benedetto Buglioni et Agnolo di Polo. Jésus vient de dire à Caïphe qu’il est le fils de Dieu, et Caïphe se déchire la chemise pour répondre au blasphème (à gauche). Dans le second groupe, Jésus est livré aux servants de Caïphe, et le contraste est fort entre son aspect résigné et digne et les personnages sombres des servants aux traits déformés et grotesques.

Les chapelles se suivent et ne se ressemblent pas, mais suivent la logique du parcours du Christ avec la chapelle de Simon le Pharisien, celle de Ponce-Pilate, la chapelle de la prison du Christ, la Montée du Calvaire, l’Evanouissement de la Vierge… Toutes ces scènes de la Passion sont expressives et pédagogiques, racontant en détails imagés la Via Dolorosa dans la pénombre des petites chapelles où se glisse parfois un rayon de soleil inattendu.

Juste avant la chapelle du saint-Sépulcre, avec un Christ grandeur nature allongé dans son tombeau (ci-dessous à gauche), la petite chapelle du Calvaire (à droite), avec le “Stabat Mater”qui permet de voir la crucifixion depuis le bas, et un autre accès par le haut…

Dans la chapelle du Saint-Sépulcre, la statue du Christ est veillée par une sainte Hélène de Constantinople couronnée, la mère de l’empereur Constantin, provenant d’une chapelle détruite. Et dans l’édicule juste à côté de cette chapelle, une statue de Marie-Madeleine rencontrant Jésus après la Résurrection, la scène du “Noli me tangere”, remarquable par sa modernité et très expressive avec ses cheveux défaits.

Les chapelles de San Vivaldo sont entretenues mais certaines sont menacées par les intempéries et nécessiteraient une ultérieure restauration. Mais les moyens du couvent sont limités pour un lieu qui n’est pas un but de pèlerinage très fréquenté. Raison de plus pour ne pas tarder à visiter cette Jérusalem de Toscane, à une demi-heure de route de Volterra.

Un regard amoureux sur Paris

Un petit photographe qui passe inaperçu avec un très gros appareil photo discret, un Pentax 645Z, et surtout un œil de faucon qui sait voir et saisir au vol ce qu’on ne voit pas spontanément, c’est ce qui fait que Mario Fourmy est, plus qu’un photographe, un artiste et un amoureux de Paris – ce qui du reste va ensemble.

L’expo qu’il vient de signer pendant dix jours à la mairie du 13e arrondissement le montre en 60 photos, dommage c’est fini trop vite. Chaque photo raconte une histoire et Mario se fait un plaisir d’expliquer comment il a “attrapé” son image. Un peu de technique, la pratique du moyen format numérique 44x33 mm lui permet de recadrer en conservant le piqué, et le fait de travailler à haute sensibilité donc à vitesse élevée lui rend ce flou en arrière-plan qui donne la profondeur à l’image.

De la technique mais surtout de l’intuition, comme ce corbeau qui passe en premier plan, parfaitement net, alors que la scène des promeneurs du Luxembourg en arrière-plan est légèrement voilée – il a anticipé la trajectoire de l’oiseau, une sacrée maîtrise. De l’intuition, pour capturer ces coïncidences que sont le passage d’une jeune femme avec une casquette rétro devant une photo géante de Paris début du 2Oe siècle, elle-même tournée vers cette photo d’époque comme si elle en faisait partie. Ou ce couple sous un parapluie qui passe sous une affiche de Magritte avec un même parapluie… On l’imagine en embuscade discrète, un Cartier-Bresson se promenant dans les rues de Paris pour saisir l’instant.

De la sensibilité aussi pour voir cette statue équestre d’Henri IV se promenant sur fond de dôme du Panthéon, une vue prise depuis le trottoir de la Samaritaine en face… Voir toujours, lever la tête, percevoir l’imperceptible, et surtout sentir le terrain. Avant de peindre Paris et ses rues, Mario a été photographe de presse, je l’ai connu correspondant de guerre, photographe des armées à l’ECPA, la grande école du photo reportage, puis au SIRPA avant d’être agencier, AFP puis Gamma, le top de la photo de presse. De là sa maîtrise de l’instantané, ce moment fugitif qui ne revient pas. 

Photographe d'actualité et de reportage, économie, politique, société, Mario présente une sélection de ses photos les plus récentes sur un joli book qui porte son nom, tout simplement: https://www.mario-fourmy.com/. Du photographe de presse et de l’agencier il a éprouvé toutes les joies mais aussi toutes les frustrations, à une époque où le copyright est de moins en moins respecté et l’image copiée et volée sur les médias sociaux sans aucun recours ou presque. D’où sa participation à des campagnes pour défendre le photojournalisme, un métier gravement menacé, avec l’association PAJ (Photographes Auteurs Journalistes).

Sa fidélité aux armées qui ont été sa première famille de reporters, il la manifeste à travers la première photo de son exposition: le monument aux morts en opérations extérieures, récemment inauguré au parc André Citroën, six militaires des trois armées portant symboliquement –car non représenté- le cercueil d’un de leurs camarades, une belle photo prise en plongée (ci-dessus à gauche).

Et comme il me fait l’amitié de nous immortaliser ensemble dans cette galerie Bièvre de la Mairie du 13e, je ne résiste pas au plaisir de la partager. Merci Mario !